布兰诗歌有人说，音乐是人类生活中永恒的主题。

生活中的喜怒哀乐都可以通过音乐来表达，而交响音乐则是音乐这片浩瀚的海洋中不可缺少的一部分。

伴随着一段优美的交响乐，我们进入了交响音乐与赏析这门课。

交响音乐是指用大型管弦乐队演奏的富于交响性的音乐。

交响乐的主要体裁有交响曲、协奏曲、交响诗、组曲、序曲、舞曲及交响合唱等。

交响音乐与交响曲的原文同是symphony 一词，出自希腊语，意为“一起响”，也有音与音之间和谐地结合的意思，早在文艺复兴时期就被大量地使用了，但当时它的内涵和现在全无共同之处，是泛指一切多声部的音乐，既有器乐也有声乐。

在古希腊人的脑海里的音乐具有无比神奇的力量，“是打开自然科学那扇门的钥匙”。

许多思想家都认为音乐既能陶冶人的思想，也能医治人的灵魂。

事实上，包括后世很多著名物理学家也认为科学是理性的演绎，一般只反映事物的具体属性，艺术则是感性的发挥，常能揭示事物的本质精神；宇宙的本原是对称与和谐，而艺术则是真理和美的化身。

《布兰诗歌》是卡尔·奥尔夫的代表作。

他的美学思想就是简朴、单纯，偏爱强烈、明快的节奏，认为节奏是一切音乐的开始；使用最原始，最简单的节奏，不断反复，用尽之后才换另一节奏。

在《Carmina Burana 布兰诗歌》中的旋律语言包罗较广，从单旋律歌曲、民间歌曲到弗拉曼戈歌曲和浪漫歌剧，面貌多姿多彩。

他曾说过：“音乐表现越是本质、单纯，效果也就越直接、强烈。

整部作品分“春天”、“酒”、“爱”三个主题。

《布兰诗歌》是一曲对生命的赞歌，似乎有神的目光在暗中注视。

它在三个主题引导下微妙地涉及了“信仰”、“死亡”等动机，调性既有着世俗的欢乐成分，又有着史诗般的恢弘气势。

其中所隐含的真正的动机，则是对短暂人生的垂怜、惋惜和哀叹。

借用里尔克的诗句来描绘这部作品就是：“真正的怜悯之神，他来时威风凛凛，光芒耀眼地向周围传播，跟诸神一样。

比吹着安稳的大船的风更强。

”除此之外，我们还欣赏了杰克逊的歌曲。

杰克逊的音乐是专业之乐，一般人难以模仿；是本能之乐，对人性对世界的呐喊；是哲学之乐，充满着人性的光辉；是风格之乐，别具一格，自成一家；是视听之乐，不光好听，现场画面同样震撼人心；是政治之乐，抨击着社会的阴暗角落。

黑格尔曾说：“艺术是理念的感性显现。

”杰克逊就将这句话阐述到了完美。

巴洛克时期古罗马的音乐是从古希腊的音乐借鉴来的，音乐活动较之古希腊更加旺盛、喧闹。

罗马人视音乐为家庭女性必备的技能，还从希腊人那里承袭了吃晚餐时要有音乐伴奏的时髦风气。

在宫廷盛大的宴会上，总有大群的歌手和乐师高唱赞颂统治者的颂歌。

政治家的演说也常有笛子伴奏，语调的抑扬顿挫和优美、起伏的笛声相映成趣。

罗马人也尚武好战，对军乐尤为喜爱，汇集了各民族铜管乐器和打击乐器的精华，来炫耀军威、鼓舞士气。

文艺复兴重新找回了人的形象，音乐被世俗影响。

在欧洲艺术史上称1600年至1750年间的150年为巴罗克时期，这期间欧洲社会充满了各种活跃、动荡与大胆变革。

巴罗克音乐风格出现的主要标志是从文艺复兴时期的多声部复调音乐开始转向和声性主调音乐。

这种审美趣味上的转变最早在歌剧的演唱中形成，但主调音乐在巴罗克音乐中还未取得统治地位。

巴罗克音乐蕴涵有丰富的精神与情感内容，但多是抽象化的“我们的精神与情感”，而非私有的“我的精神与情感”；其语意信息比较淡泊，一般很少具有造型性描写，多表现一种结构和音响色彩上的谐美，以及乐思发展的逻辑性和旋律线条的流畅。

巴罗克建筑风格表现为豪华、宏伟、壮观和富于精雕细刻的装饰性，散发着一种健康而又铺张、放纵的活力，具有高昂的气度、神秘的狂热和感人的情调。

而这种风格也贯穿于巴罗克音乐的精神气质中。

G弦上的咏叹调，宏大的音响像巴洛克时期的建筑，历经沧桑却仍旧充满活力。

《d小调托卡塔与赋格》，华丽的托卡塔，极富技巧性，画面随着旋律的变化而变幻，赋格有追与逃的感觉。

乐曲开头，托卡塔的音乐材料饱满而富有戏剧性的效果。

使用延长的波音后，形成了一种磅礴的气势，好似非常悲壮的号召、呼唤：起到了引子的作用。

乐曲尾声是整个托卡塔戏剧冲突的高峰。

赋格主题与托卡塔主题紧密相连，是从托卡塔中引申出来的。

紧密的织体的结构和丰富的音响是它的主要特点。

记得第一次听这首曲子是在看柯南剧场版电影《颤栗的乐谱》时，当时就给我的感染力就非常大，以至于内心情不自禁跟着它的主旋律跳动，心潮澎湃，神情激昂。

巴赫的音乐貌似像海面一样平静，却蕴含着无数惊奇。

我不想努力听懂他在讲述些什么，只是愿意这样静静地听，慢慢的感受琴弦上跳动的天籁质感。

小提琴协奏曲“四季”独奏协奏曲(Concerto) 名称源自拉丁文，原意是竞争和比赛，它是由一件独奏乐器同乐队相协奏，音乐形象以对峙为基础的炫技性乐曲。

这种体裁最初出现在十七世纪的意大利，由维瓦尔第最终确立了快、慢、快三个乐章的套曲形式，他的小提琴协奏曲《四季》成为后来古典小提琴协奏曲的经典楷模。

安东尼奥·维瓦尔第是巴洛克鼎盛时期意大利著名的作曲家、小提琴家和音乐教育家，但是在他的小提琴协奏曲中，还只是让小提琴演奏独立的旋律，而尚未赋予它充分的技巧性装饰。

他的音乐天才启迪了后来的巴洛克大音乐家，尤其是他丰富的作品和新颖、科学的歌剧创作方法，刺激了现代意大利作曲家的好奇心。

独奏声部在协奏曲中的主导地位，是在十八世纪下半叶的莫扎特的古典协奏曲中才最终取得的。

乐曲独奏的部分是听众瞩目的中心，一般都具有华彩乐段，可展示、炫耀独奏家的精湛技艺与个人演奏风格。

独奏者登台演奏，必须娴熟到完全不看乐谱，才可自由地表达。

小提琴协奏曲《四季》大约创作于1725年，维瓦尔第在总奏与主奏交替形成的复奏形式上，巧妙地配以标题。

四部作品均采用乐章协奏曲形式的正宗标题音乐。

在维瓦尔第之前，还没有人以标题音乐的方式谱写过协奏曲。

《四季》由四首三乐章的协奏曲构筑而成，分别描绘春、夏、秋、冬四个季节。

维瓦尔第在每一曲的总谱扉页上各附有一首解释音乐的14行诗，用以说明音乐的特性，并且还把这些诗行分散地写在各乐段或乐句上，使音乐和文字联系起来。

春天，小提琴代表鸟鸣，体现生机盎然的情趣；夏天，中提琴象征牧羊犬的鸣叫，小提琴代表牧羊人，忽然雷电交加阻挠了他回家的路；秋天，欢快的风琴代表着仙女和牧羊人的对话，也是轻快的舞曲；冬天，描写人们走在冰上滑稽的姿态，以及由炉旁眺望窗外雨景等景象，“这是冬天，一个愉快的冬天。

”整部作品情景交融，绝不是难以进入的艰深之作，“入耳即溶”。

由于维瓦尔第的《四季》属于标题音乐，所以从形式上看，自然较其他协奏曲显得自由而且不平衡，但这样反而更能表现出巴洛克时期的特点及魅力。

这四部作品画意盎然，激发出人们对巴洛克时代音乐的浓厚兴趣。

整个《四季》中的四首协奏曲给人的感觉就是主题鲜明，各异其趣，然而听起来却一气呵成。

我不得不叹服各乐章间的起承转合是那么的丝丝入扣，作曲家手法高超，写景、写人、写情，甚至写具体情节，都有神来之笔。

或挥洒泼墨，或工笔细描都有画龙点睛之功，生动地再现出一幅幅大自然风花雪月的优美画卷。

难怪这部作品几百年来一直百演不倦，世人百听不厌。

是名符其实的经典之作。

古典主义精神“古典”（Classic）一词源自拉丁文，原意是典范、经典，古典主义开始形成于古罗马文化的鼎盛时期。

古典主义艺术的特征是强调理想的形式美、展示精巧的技艺和传达理性的明晰。

在古典主义艺术明朗、纯净、美丽的外表下面的中心主题是理性的明晰—一个有理性的人，在一个有秩序的世界中应对他的命运。

十八世纪的古典主义艺术大师在情感和理智、心灵和思想之间取得了完美的平衡。

古典主义立足于现实，积极进取。

莫扎特《第四十交响曲》分四个乐章。

第一乐章是典型的奏鸣曲式，由呈示部，发展部和再现部构成。

呈示部有第一主题和第二主题，两个主题在声音上形成对比。

发展部对两个主题加以变化发展，利用主题中提供的动机展开，第二主题强调了第一主题的悲怆。

再现部再次演奏两个主题，并加以变化。

第二乐章显得温柔平和，两个主题的对比不强烈。

第一主题由中提琴，第二小提琴和第一小提琴声部相继奏出，温暖，明朗，如同午后的阳光穿过树叶，在地上洒下斑斑点点的光影。

两个主题不像第一乐章具有明显的咏叹调的性质，都只是由简单的音型构成，从而具有了更大的和声和发展的可能性。

两者缠绵在发展部里，互相对比，互相补充，自然和谐，充满了莫扎特式的天真和纯洁。

第三乐章是小步舞曲，但是莫扎特取了小步舞曲的名字，但是更像是一首庄严的进行曲，出现在我们眼前的是庄严，自信的人的形象，充满了积极的进取的精神。

坚定的步伐和对于明天的充分信心也正是莫扎特那些快乐的音符的来源，他的音乐里并不是没有痛苦和怀疑，没有辛酸和泪水，莫扎特同样是一个命运捉弄的人，但是他的心灵，他的纯洁的灵魂却永远向往着快乐，也坚定的相信快乐将会到来，是整个交响曲最光明的瞬间，温暖的，不带任何怀疑的，天真的快乐时光。

第四乐章同样是奏鸣曲式，第一主题是充满对比的天才之作，得到了充分的发展，第二主题旋律精致而明朗，莫扎特特有的阳光般灿烂的笑容再次展现。

第四乐章当我们一层层揭去形式的面纱，我们看见的是有层次的，有心灵的内容。

无论是在调性上还是在发展的手法上都和第一乐章很相似，使得整首作品拥有了完美协调的结构。

叔本华曾说，“一个国王和一个乞丐透过窗口看日落余晖，启发是一样的，都能感受到日落的美。

”就是这样平等音响美，使整首曲子充满和谐。

莫扎特的第40交响曲可以说集中体现了莫扎特音乐创作最伟大，最天才的一面，那就是内容和形式的高度统一，莫扎特似乎是完全依靠直觉达到了这一目标，在他之后，有过无数的作曲家穷尽一生的努力，甚至是付出了身心俱疲的惨痛代价也无法企及，这不能不说是一个奇迹。

莫扎特的创作结构精巧，平衡和和谐，似乎完全得自天然的音乐感觉，其实是和他敏锐的内心听觉分不开的，他能够轻易的在头脑里建立整部作品，好像只需要把他们写下来一样。

这种天才在莫扎特是天生的，“上帝借他的手把音乐献给人类”，但是在我们却也是可以后天习得，这就需要十倍百倍的努力了。

“天才即勤奋”。

奏鸣曲式古典主义时期的音乐，让人以优雅的态度对待生活。

绝大多数交响曲第一乐章采用奏鸣曲式。

奏鸣曲式：呈示部（主部主题、副部主题）-展开部-再现部（新貌，老歌新唱）。

主部：强势，客观世界的展现；副部:弱势，健康的主题，滋长信心和力量，往往是内心世界的表达。

主部主题力量略占上风。

席勒：“人无时不刻不在焦虑。

”游戏活动升华就是艺术活动。

交响曲能缓解人内心的焦虑。

贝多芬，生于1770年，逝于1827年。

音乐是流动的建筑，他的音乐之美体现在音乐结构上。

自始至终都是铅笔跟橡皮的战斗，每个音都有意义，没有一个音符浪费，通过斗争获取胜利。

他自尊心强，倔强，傲慢、脾气差。

愤怒的贝多芬恨人有、笑人无，他是矛盾的，但他的作品表现的是平等的。