中国传统文化和民间艺术中国国粹――京剧中国京剧是中国的"国粹"，已有２００年历史。

京剧是中国最大戏曲剧种。

其剧目之丰富、表演艺术家之多、剧团之多、观众之多、影响之深均为全国之冠。

京剧是综合性表演艺术。

集唱（歌唱）、念（念白）、做（表演）、打（武打）、舞(舞蹈)为一体、通过程式的表演手段叙演故事，刻划人物，表达"喜、怒、哀、乐、惊、恐、悲"思想感情。

角色可分为：生（男人）、旦（女人）、净（男人）、丑（男、女人皆有）四大行当。

人物有忠奸之分，美丑之分、善恶之分。

各个形象鲜明、栩栩如生。

形成与传播：京剧前身是清初流行于江南地区，以唱吹腔、高拨子、二黄为主的徽班。

徽班流动性强，与其他剧种接触频繁，在声腔上互有交流渗透，因此在发展过程中也搬演了不少昆腔戏，还吸收了啰啰腔和其他一些杂曲。

清乾隆五十五年（1790），以高朗亭（名月官）为首的第一个徽班（三庆班）进入北京，参加乾隆帝八十寿辰庆祝演出。

随后还有不少徽班陆续进京。

著名的为三庆、四喜、春台、和春四班，虽然和春成立于嘉庆八年（1803），迟于三庆十三年，但后世仍并称之为"四大徽班进京"。

京剧――脸谱脸谱具有很强的艺术性，勾脸也具有高度的技巧性，象书法和绘画一样，用笔要准确有力，渲染需浓谈有致，钩勒则惜墨如金，这样才能画得生动有神，惹人喜爱。

勾脸不能按谱照搬，要根据自己的脸型、表演特色和所演剧目，把脸谱勾活，才能生动地体现出剧中人物的外貌和性格特征。

著名的京剧表演艺术家勾的脸部各部位线条纹理，恰好与面部神经相应，因而表演时极大地有助于演员表达剧中人物的感情，使脸谱与表演有机地结合在一起。

有丰富经验的艺术家，能够利用勾脸来弥补脸型的不足，以改变脸型与面部解剖的关系。

脸型窄小，个子不高，可以根据自身条件对脸谱进行加工与再创造，花脸演员们常说的“勾脸能变形”就是这个意思。

京剧――京胡京胡，又称胡琴。

拉弦乐器。

清代中叶以来，随着京剧的形成，在民间传统拉弦乐器基础上改制而成。

早期琴杆短、琴筒小，蒙蟒皮或蛇皮，张丝弦，用软弓拉奏，称软弓胡琴。

本世纪五十年代始用钢丝弦。

琴杆又称担子，全长49厘米。

用五节紫竹、白竹制。

上方第一、二两节置弦轴，底节插入琴筒，筒里的杆上开长方形对穿的“风口”，产生复共鸣。

琴筒长11.4、后口直径4.3厘米，用毛竹制，前口蒙蛇皮，后敞口。

弦轴黄杨或黄檀木制。

琴码竹制。

弓子江苇竹制，上拴马尾，长74厘米。

张二弦，设有“千斤”。

五度定弦，据唱腔和曲牌不同分别为：反二簧do、Sol弦，二簧Sol、re弦，西皮Ia、mi弦，反西皮re、Ia弦。

常用的是D调、E调二簧京胡和E调、G调西皮京胡。

音域约两个八度。

演奏时，坐姿，琴筒置于左腿上，琴杆向左稍倾斜，左手持琴杆按弦，右手执马尾弓夹于两弦间拉奏。

弓法有拉弓、推弓、颤弓、抖弓、顿弓、带弓、快弓等，指法有按音、揉弦、打音、滑音、倚音等技巧。

用于伴奏或独奏。

是京剧的主要伴奏乐器，也用于其它剧种。

独奏曲多源于京剧曲牌，如《小开门》、《夜深沉》等。

川剧变脸变脸，这是川剧表演艺术的特殊技巧之一，观众非常感兴趣，看过之后，无不惊叹，它是揭示剧中人物内心思想感情的一种浪漫主义手法。

把不可见、不可感的抽象的东西变成可见、可感的具体的东西。

变脸的手法大体上分为三种，它们是‘抹脸’、‘吹脸’、‘扯脸’，此外，还有一种“运气”变脸。

“抹脸”是将化装油彩涂在脸的某一特定部位上，到时用手往脸上一抹，便可变成另外一种脸色。

如果要全部变，则油彩涂于额上或眉毛上，如果只变下半部脸，则油彩可涂在脸或鼻子上。

如果只需变某一个局部，则油彩只涂要变的位置即可。

吹脸，只适合于粉末状的化妆品，如金粉、墨粉、银粉等等。

有的是在舞台的地面上摆一个很小的盒子，内装粉末，演员到时做一个伏地的舞蹈动作，趁机将脸贴近盒子一吹，粉末扑在脸上，立即变成另一种颜色的脸。

必须注意的是：吹时闭眼、闭口、闭气。

“扯脸”是比较复杂的一种变脸方法。

它是事前将脸谱画在一张一张的绸子上，剪好，每张脸谱上都系一把丝线，再一张一张地贴在脸上。

丝线则系在衣服的某一个顺手而又不引人注目的地方(如腰带上之类)，随着表演的需要，在舞蹈动作的掩护下，再一张一张地扯下来。

一是粘脸谱的粘合剂不宜太多，以免到时扯不下来，或者一次把所有的脸谱都扯下来。

二是动作要干净利落，假动作要巧妙，能掩观众眼目。

运气变脸传说已故川剧名演员彭泗洪，在扮演《空城计》中的诸葛亮时，当琴童报告司马懿大兵退去以后，他能够运用气功而使脸由红变白，再由白转青，意在表现诸葛亮如释重负后的后怕。

拭豹眼黑烟子在双眉间一抹而成,用以表示其凶残狠毒。

‘变脸’的问题，是川剧中特有的技艺，它的骤然变化，促使见者改观，‘变脸’是感情的象征，许多的脸谱已经有它显著的典型的特质，说明人物的忠奸邪正，而‘变脸’更帮助了个性的强调与感情(变)化的发展过程，这是四川戏的优点。

加之演员能于观众不注意间改变他的脸像，也是一种惊人的技术。

“变脸”的特技，现在已被其它兄弟剧种所采用，目前则存在用得太泛的不良倾向。

而且，已经传到国外去了。

评书流行于中国北方地区的评书艺术，作为一种独立的说书品种，大约形成于清代初期。

许多渠道的资料证明，评书是以口头讲说的表演形式，形成于北京的评书艺术，其第一代艺人王鸿兴，原来是表演一种叫做“弦子书”的“说唱”艺人；至20世纪初叶，又有许多北方乡村表演“西河大鼓”和“东北大鼓”的“说唱”艺人进入城市后，纷纷改说评书。

这是中国曲艺艺术在流变过程中出现的一个十分有趣的现象。

评书的表演形式，早期为一人坐于桌子后面，以折扇和醒木(一种方寸大小，可敲击桌面的木块。

常在开始表演或中间停歇的当口使用，作为提醒听众安静或警示听众注意力，以加强表演效果，故名)为道具，身着传统长衫，说演讲评故事。

发展至20世纪中叶，多为不用桌椅及折扇、醒木等道具，而是站立说演，衣着也不固定为专穿长衫。

评书用北方语音为基础，以北京语音为标准音调的普通话语说演。

中国华北和东北的大部分地区均见流行。

因使用口头语言说演，所以在语言运用上，以第三人称的叙述和介绍为主。

并在艺术上形成了一套自身独有的程式与规范。

比如传统的表演程序一般是：先念一段“定场诗”，或说段小故事，然后进入正式表演。

正式表演时，以叙述故事并讲评故事中的人情事理为主，如果介绍新出现的人物，就要说“开脸儿”，即将人物的来历、身份、相貌、性格等等特征作一描述或交代；讲述故事的场景，称作“摆砌末”；而如果赞美故事中人物的品德、相貌或风景名胜，又往往会念诵大段落对偶句式的骈体韵文，称作“赋赞”，富有音乐性和语言的美感；说演到紧要处或精彩处，常常又会使用“垛句”或曰“串口”，即使用排比重迭的句式以强化说演效果。

在故事的说演上，为了吸引听众，把制造悬念，以及使用“关子”和“扣子”作为根本的结构手法。

从而使其表演滔滔不绝、头头是道而又环环相扣，引人入胜。

表演者要做到这些很不容易，须具备多方面的素养，“世间生意甚多，惟有说书难习。

评叙说表非容易，千言万语须记。

一要声音洪亮，二要顿挫迟疾。

装文装武我自己，好似一台大戏。

”评书的节目以长篇大书为主，所说演的内容多为历史朝代更迭及英雄征战和侠义故事。

后来到了20世纪中叶也有篇幅较小的中篇书和适于晚会组台演出的短篇书，但长篇大书仍为其主流。

广东粤曲广东粤曲清新柔丽，是中国曲艺家族中的重要成员。

它用广州方言演唱，流行于广东、广西、香港、澳门等广州方言区域，并流传到东南亚、北美等粤籍华侨及华人聚居的地区。

粤曲源自粤剧清唱。

约于清道光年间，有以清唱粤剧为业的八音班，他们用粤剧的剧本，用粤剧的曲调，用粤剧的“戏棚官话”分脚色演唱。

以后又出现了穿街过巷卖唱的女盲艺人，被人们称作“瞽姬”、“师娘”。

她们每人都要掌握不同脚色的唱腔，一人演唱多个脚色，较之“八音班”在歌唱技艺方面有了新的发展。

这种演唱盛行了60多年，在粤曲史上称为“师娘时期”。

民国以后，在茶楼歌台上逐渐出现了明目女子演唱粤曲，人们呼她们为“女伶”。

她们改“戏棚官话”为广州方言，改假嗓为真嗓，并划分为大喉、平喉(此为男角专用腔)、子喉(为女角专用腔)3种唱法，粤曲进入了鼎盛时期，史称“女伶时期”。

近百年来，粤曲紧跟时代而发展，它善于吸收，能够兼融并蓄，不断丰富，不断创新，拓宽了唱腔音乐，如将粤剧的“梆、簧”，广东的曲艺龙舟、南音、粤讴、木鱼歌，乃至广东音乐(包括杂曲小调或器乐曲)均拿来填词演唱。

伴奏除高胡、扬琴为主奏乐器外，还加入了萨克管、小提琴、电子琴等等。

粤曲脱胎于粤剧，它和粤剧在唱腔音乐方面长期存在着互相吸收、互相融化、互相促进、共同发展的极为密切的关系，因而粤曲和粤剧至今仍基本唱着相同的腔调。

相声相声，是中国曲艺艺术品种中影响最大，最受听众观众欢迎的一种。

可以说，在中国，地不分东南西北，人无分男女老幼，没有不知道相声，不喜欢相声的。

相声又是中国曲艺中最具喜剧特征和幽默品格的一种。

中国类似相声表演，以对话的机智和幽默取胜的人与事，在历史上十分常见；但相声作为一个独立的表演形式，大约形成于清代咸丰年间(1851－1861)。

清末民初以来，相声艺术不仅在表演技巧上日益完善和丰富，而且在不同的历史时期涌现出不同的代表性艺人。

比如清末以裕德隆、焦德海、周德山、卢德俊等“德”字辈艺人组成的艺人群体，人称“相声八德”，民国初期，艺名“万人迷”的李德，民国年间的张寿臣，以及后来至中华人民共和国成立声誉日隆的侯宝林和马三立，包括侯宝林的学生马季，马季的学生姜昆等，均以各自的艺术表现而负有盛名。

相声的表演形式有三种，早期主要为一个人说演的“单口相声”，所演类似于讲小笑话或幽默故事。

后来出现了两个人合作表演的“对口相声。

”其中一个人为甲方，称作“逗哏”的，另一人为乙方，称作“捧哏”的。

“对口相声”的表演是在对话中制造笑料，给人启迪。

因着所演节目的题材内容的不同，把甲主说，乙附和的节目，称为“一头沉”；把甲乙双方争论的节目称作“子母哏”；把有大段诵说或韵诵表演的节目称作“贯口活”；而把仿学唱戏唱歌的内容为主的节目称作“柳活。

”另有一种三人或三个人以上的多人表演的形式叫做“群口相声”，表演时一个人“逗”，多人捧”，另有一人打岔提破，称作“腻缝儿”。

三种形式之中以“对口相声”的说演最为常见和普遍，是其艺术样式的主体。

相声表演讲求“说、学、逗、唱”，即不但口齿要清，而且要善于摹仿各种人和事物以及声音效果，更要擅长制造笑料，即“抖包袱”，同时还要求嗓子好，能学唱各种戏曲唱腔和流行曲调。

由于相声表演全仗嘴皮子功夫，故上述四种基本技巧一般要求必须具备。

但实际上各个演员各有擅长，各有风格。

作为通过逗乐来完成艺术审美的曲艺形式，相声表演的基本要求是让观众发笑。