浅析动画的艺术语言摘要：动画艺术是一门综合性的艺术表现形式。

它既有来源于传统美术体制的艺术表现形式，也有与前沿科技相结合的新技术的应用。

掌握动画的艺术语言是成为一名动画从业人员所必备的专业知识。

关键词：艺术语言造型构图摄像音效“动画”顾名思义，就是“动+画”，能动起来的画才算是动画。

1892年10月28日被确定为“动画”的诞生日，在这一天，被誉为动画之父的爱米尔•雷诺先生在法国著名的Grevin 博物馆放映了由他亲手绘制并亲自放映的世界上第一组真正意义上的动画片The Clown and His Dogs.Poor Pierrot和Unbon bock（A Good Beer）①。

动画作品比其他普通的艺术作品内容更加丰富，它涵盖了电影、音乐、绘画、戏剧、舞蹈等各个艺术学科。

可以说，动画艺术是一门综合性的艺术表现形式。

随着动画艺术和技术水平的不断进步，以及作品新题材的不断探索深入，动画早已经不再仅仅是满足闲暇娱乐的消遣品，更多的作品注重思想深度的挖掘，对现实社会的拷问，给观众审视自身、审视社会的心灵洗礼。

论文发表动画是一种高度浓缩的介质，它把许许多多现实的或是虚幻的事物都包含在了一个紧凑的时间和空间里。

动画有着得天独厚的表达优势，可以脱离现实的种种束缚，尽情地发挥想象力和创造力。

可以说目前没有任何一种视觉艺术能够比动画更加具有想像力和震撼力，因为动画能够使创作者们自由地、没有任何障碍地表达出自己的想法。

在动画的世界里，没有想不到，只有做不到。

然而，想要全面掌握动画，并驾驭动画去随意发挥想像的空间，是很不容易的。

学动画，做动画，就要使自己学会做编剧、导演、画师、摄影师……学会如何构建一个完整的故事，如何去塑造和表现动画中角色的性格，如何选择适合自己的媒介（如：电影胶片、剪纸、粘土等）和技术去做动画，如何使用合理的镜头语言和画面把动画片拍摄下来等等。

因此，掌握动画的艺术语言是成为一名动画从业人员所必备的专业知识。

在这里笔者从自己理解的角度，简单地分析动画艺术语言中所包含的一些要素。

虽然只是一己之见，希望能起到抛砖引玉的作用。

艺术语言是艺术作品形式的基本构成要素。

各个艺术门类，都具有自身独特的艺术语言。

动画既然是一门综合性的艺术学科，其所具备的艺术语言也是综合了各个学科之所长。

比如绘画艺术中的线条、色彩；音乐艺术中的节奏、速度；影视艺术中的蒙太奇手法等。

笔者挑选了四个方向来阐述自己的观点：论文发表1造型造型，可以简单理解为塑造形体。

在绘画艺术中造型是由线条、形状组合成的具象或抽象的形体。

在动画艺术中，造型就是角色造型设计。

角色造型是一部动画的基础，相当于传统影视中的演员。

演员的选择将直接导致影片的成败，由此可见角色造型在动画作品中的意义。

动画艺术首先是视觉的艺术，“造型”也就成了动画艺术视觉化的第一步。

动画角色造型主要可以分为写实和抽象两种风格，写实风格的极端是仿佛照相般的具象造型，将角色符号化则是抽象风格的极端。

还有一种兼有抽象和写实风格的角色造型平衡于两者之间。

作为一部成熟的动画作品，其所有的角色造型应该保持风格的统一性。

写实风格的角色造型设计不应该完全不带任何感受地、照相式地去画形象。

那样的话就失去了创作和设计的精神。

写实风格来自于客观事物本身的形象，需要再一步进行美化和提炼，从而创造出简单准确的符合要求的角色造型出来。

在抽象风格的角色造型设计过程中就没有太多拘束，随意性比较强，而且随着当今计算机图形软件的不断发展，设计师运用计算机图形技术可以创造出更多各式各样丰富多彩的抽象角色来。

动画只有在准确生动和优美的造型中才能赋予人物以各种不同的性格和气质，从而使他们成为鲜活的形象。

但是，无论哪种风格的动画角色造型设计必须直接受到剧情的影响。

剧情决定了角色的个性特征和戏剧动作，剧情的背景资料限定了角色造型的风格特征。

设计动画角色造型时应充分考虑到动画片的整体美术风格、观众和市场的要求、社会环境和时代背景等。

这就对动画造型设计师的个人素质提出了很高的要求，即要有深厚的文学功底去理解剧本，还要有扎实的美术设计功底，更要有对生活的感知力、领悟力和创造力。

论文发表2构图“构图”是一种对画面的思考并组织视觉要素的设计过程，直接影响着画面效果和观众对作品的感受。

狭义地讲指一幅画面的布局和构成，有意识地把要表现的对象安排在画面之内。

但是这种安排不是任意的，而是有规则的。

根据的需要去安排。

动画是画出来的运动，在动画作品中呈现于观众面前的无不是由一张张事先设计好的画面所构成的，这些画面就形成了动画作品艺术表现的最基本的单位。

电影史学家萨杜尔曾经说过：“动画是创造运动的艺术。

动画创造运动的关键是一系列图形之间的关系，而不仅仅是图形本身。

图形本身虽然也很重要，但就重要的程度来讲，图与图的关系更重要。

”构图规律是人们从视觉艺术发展过程中不断总结出来的一般造型规律。

构图规律会随着视觉艺术的发展不断演进。

平衡是构图的基础，主要作用是使画面具有稳定性。

稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。

对称平衡的画面给人秩序感和稳定感。

但缺少变化，没有变化就没有美感，所以构图最忌讳的就是平均分配画面。

构图处理是否得当，对于动画艺术作品的成败关系很大。

懂了构图的原理，也不等于能做出优秀的动画作品。

在构图中，景别可以看成是构图元素中最直接的对观众视觉心理的一种限定。

画面景别的变化对观众来说意味着观看景物视距的变化，这就是创作者对观众视觉注意力的指引，使画面视觉形象的表达有了层次的变化和主次之分。

3摄像这里讲的“摄像”是拍摄动画的过程。

动画采用逐格拍摄的方式，拍摄创造出来的形象和情景。

是一种主动的创造过程，而不是被动的表现和表达。

它具有创作者强烈的个人意识色彩。

无论是实拍电影还是动画作品，都是以客观实体为对象，利用运动、构图等造型手段，通过一幅幅活动的、持续的画面，来表达作者的意愿。

光，是人们感受物质世界中所有事物的必要条件。

光线在摄像艺术中作为一种造型手段，有光就有影，将光影结合，通过适当的光线处理，可以表达出不同的情感和创作意图。

在动画作品的创作过程中，同样的角色或物体，使用不同的光线照明可以产生不同的造型效果。

根据剧情发展的需要，通过光线来塑造角色，体现角色的心理变化，光线的描绘作用被充分挖掘发挥出来。

一般来说，平光表达平铺直叙的情节，逆光则多用于体现冷酷、危险等特殊情景。

在二十世纪三十年代后期电影出现了彩色画面，这是一场视觉大革命，它大大增强了影视艺术的表现力。

它比光线更容易表达创作者给观众带来的情感体验。

色彩本身具有强烈的视觉引导功能。

比如红色象征热情、喜悦；白色象征纯洁、凄凉；黑色象征严肃、阴郁……这些色彩要素在动画作品中由于不同的搭配，造成画面不同的浓与淡、明与暗等视觉感觉。

蒙太奇是影视电影创作的主要叙述手段和表现手段之一。

在动画艺术中，蒙太奇被理解为画面组接的形式，有叙事蒙太奇、并列蒙太奇等几种。

蒙太奇的功能主要有叙述故事、表达情感、阐述思想和创造风格。

蒙太奇可以借助用画面之间存在的隐喻、转喻关系和象征性来阐述抽象的思想观念。

动画影片中蒙太奇的运用，使创作者可以按自己的意图重新组接时间，空间和事物的发展运动，创造出一种全新的叙事方法。

随着时代的进步和动画技术的不断发展，动画艺术中借助摄像元素的运用会更加多元化，动画创作者能够运用的表现手法也将越来越多。

论文发表4音效自从电影被赋予了声音，观众在得到视觉享受的同时，还可以通过听觉去理解电影的剧情、感受电影的灵魂，动画也是如此。

在动画作品中，声音分成三类：语音、效果声、音乐。

它们与视觉画面一起共同构筑画面空间，推动叙事，完成艺术形象的塑造。

语音包括角色的对白、内心独白和画外音，一般由配音演员完成。

如果说影视作品是靠演员的动作和表情来表现剧情，那么配音演员就是用自己的声音在表演，赋予虚拟角色灵魂。

他们首先必须熟读剧本，仔细揣摩体验角色的心理，进而为角色赋予符合其性格的语气、声调。

一个优秀的配音演员，能够为各种完全不同类型的动画角色配音。

可以根据他们不同的特点，调整出相匹配的音色、音质和说话的力度。

效果声，是一种辅助的配音，一般由拟音师根据剧情需要，添加上角色做动作的声音、自然环境中的效果声等等。

给观众创造一种真实的空间情感体验。

效果声可以被划分为许多种类，主要有自然音响(如水声、动作声音、脚步声等)、机械音响(如汽车、火车等)、枪炮音响、社会环境音响(如人群声、收音机声音等)、特殊音响(如电子合成音响等)。

早期需要依靠特殊道具来制造效果声，现如今已经有了计算机声音库和声音模拟器，可以更加方便快捷地添加各种声音效果。

音乐，主要指背景音乐，它往往会成为一部作品最终的标志。

说到动画的主题音乐，那就不能不提一对日本的黄金组合——动画大师宫崎骏和音乐大师久石让。

1983年，久石让经人介绍结识了宫崎骏，两人成为好朋友。

在1984年宫崎骏创建“吉卜力”动画工作室后，久石让便一直担当宫崎骏动画的音乐监督至今。

在久石让创作的美妙音乐声中，“吉卜力”动画作品深深地打动了无数的观众以及评论人，赢得了极高的赞誉。

成功优秀的动画音乐也可以单独发行音乐专辑，为整个动画制作机构带来可的观收入。

论文发表动画的艺术语言还不仅限于这四种，由于篇幅限制，不在此一一作论述。

动画可以是超现实的、可以是很夸张的，它表达的时间可以是错位的、空间可以是矛盾的。

动画创作者们应该懂得如何把自己的想法用具体的形象表达出来，如何运用不同的艺术风格去表现。

创作者本身的审美修养需要高于观众。

动画艺术发展到现在被卷入到了究竟是重画面还是重技术的争论中去。

一部分人认为动画的根本在于“画”。

现在很多动画专业的学生接受了太多尤其是电脑动画技术的课程学习，不再注重艺术修养。

提笔画出的东西没有灵气，没有艺术气息，只有一股扑面而来的匠气。

动画既然是隶属艺术范围，就应该具有艺术的修养。

另一部分人看法则相反，认为当今的社会，动画技术已经到了一个高度发展的时期，观众们也乐于观看视觉冲击力大的动画作品，体验新鲜刺激的场面。

从商业的角度来看，这样的技术型动画作品更加有市场。

依笔者愚见，动画的艺术性和技术性应该体现“两手都要抓，两手都要硬”的原则，缺一不可。

根据上文所说的几点动画的艺术语言，可以看出，动画艺术既有来源于传统美术体制的艺术表现形式，也有与前沿科技相结合的新技术的应用。

只有把这两者结合起来才是最好的选择。

一味地去追求区分对和错，只会引发矛盾，破坏合作。

动画是一门强调团队合作的学科，需要各个领域的工作人员通力合作才能创作出优秀的动画作品。

目前还在各大院校学习的动画专业学生，正是处于要正确引导的阶段，到底是重艺术还是重技术，摆在学生面前的两条路。

笔者认为可以根据学生自身的特点去培养，让学生自己发掘兴趣和自身的特长，才能学得好，学得扎实。