话剧表演艺术(讲座）话剧表演和影视有所不同。

用一个晚上是不可能完全提及的。

从表演方面看，理论是重要的，但关键还是实践。

表演，首先要接触表演元素。

我国从五十年代开始，专业院校都用苏联的理论。

这里讲的表演元素也是根据苏联的大纲。

但并非只有一种理论。

我们主要还是按斯坦尼斯拉夫斯基的一套表演元素。

*规定情境这是不能以个人意愿来作改变的。

作者已经写好什么时间，什么地点了。

而里面的情节发展，人物，人物关系都已经定了。

如果要改变，必须通过全剧组的一致认可才能够改变。

所以说，表演是绝对要根据规定情境来进行，不能随心所欲。

我们要分析，将作者给予的文字本子，自己分析好，分析透，自己根据规定情境找出人物言行。

*动作话剧表演不外乎语言和动作，这动作也有两种。

外部动作（即形体、肢体动作），头，手，身，五官……内部动作（心理动作）内心里一样有动作，一样在运动。

在舞台表演中，如果只有一个外部动作的话，就显得假。

所有外部动作，都是根据内心的情绪。

一个人欣喜的时候会如何？总是蹦蹦跳跳的。

不见东西找的时候，还会不会有这种蹦蹦跳跳的动作？情绪不同了，形体动作也就不同了。

很多时候，基本上演员都不会为人物设计形体动作。

但实际上，设计出来的小动作往往会反映出一个人的性格。

这种动作必须符合人物的情绪。

很多朋友上台时都会显得手足无措，而且在讲台词时都会有很多无机的动作。

这样往往让人感觉到人物的形象不鲜明。

所以，作为形体动作，必须经过训练和实践。

只是讲是没用的，这要更多地在实践中熟悉和提炼。

*想象这也是对表演相当重要的，没了想象力，就不要搞表演。

想象力是每个人都有的，问题是想象力有否发挥和利用。

想象力也是要练的，这样可以使我们的想象更丰富。

台上的对手明明是我的同学，怎么可能是我的老婆？这就要想象而且要想更多的背景材料，如他们的感情如何，这家庭如何……在戏里，我和他发生了这件事，但为了丰富它，我们还要想象出许多别的，以前发生过而没在戏里出现的事。

这就是排大戏时的角色自传。

往往剧本中是没有的，演员自己就要去想。

舞台上的想象也很重要，例如想象舞台是一间房子。

没了这个想象，眼神会变得很假。

想象中觉得这间屋漂亮，那说出赞叹词来的是时候才会逼真。

有时候也是要借助一些情绪的。

譬如怎么样才能做到泪汪汪？拍电视剧时，单机拍摄和多机拍摄不同。

外景一般都是单机。

例如先拍演讲者，再拍大观众场面，再拍个别听众镜头……这样拍摄就会慢了。

有时候拍完我骂你，换个机位，单拍你哭。

那么哭的人就要懂得酝酿情绪了。

想象听着听着就哭的感觉，就要全凭自己的想象力了，没人从旁协助你。

演员最难掌握的就是这一方面。

演员可以借助某些情绪，那些自己有感觉的情绪来用到戏里。

这种技巧是需要练的。

用半小时来酝酿情绪可能更加哭不出来，因为着急，要赶快找到情绪，但是越急就越没办法，这是什么原因呢？这因为注意力不集中。

*注意力集中杂念多了就无法集中注意力。

某演员被打一耳光后，就能很快哭出来，因为羞，委屈，这时候就已经没杂念了。

基础训练中，注意力集中较重要，排练和上台时，都要注意力集中。

第一次上台会很紧张，这就需要我们克服。

<BR>我第一次代表专业表演时，是不知道自己表现的。

现在表演后会有自己的感觉，能为自己的表演有个评价。

但由于当晚紧张，所以无法知道自己的表现。

<BR>有些朋友在演出时心散，这必然会影响表演。

这个注意力集中是一定要经训练的，但也有些经验可以和大家分享。

新人第一次演出前心里会比较矛盾。

我们可以试着去想戏，想某段的处理，想整个过程。

千万别从幕缝中看看来了多少人，我的朋友有没有来。

不要顾及这些东西，因为这样对表演没有好处。

将戏放在首位，别让其他东西影响到自己。

*交流这是许多业余朋友很容易疏忽的。

交流有很多种。

（1）同对手的直接交流。

同观众的间接交流。

如果和要和观众直接交流，是不会被斯坦尼认可的。

但很多流派的演出中，都会有这种情况出现。

（2）和一个不存在的对象交流。

这个对象可以是物，可以是人。

某个戏，有想象中的情侣在“远处”（不在舞台），那演员的独白就是和想象中的对象交流。

又如某些戏里演员和天、上帝等交流，也属此类。

（3）自己和自己交流这在生活中也偶然会有（自言自语），在戏里就更多。

将心里想的东西用口说出来，舞台上经常会有这样的台词。

交流是相当重要的。

如果和对手有交流，就可以刺激对手，对手接受信息后，大家的合作会更加默契。

作为舞台上表演的演员，和观众有交流，感觉就完全不同了。

如果没有经过这种训练的演员，是很怕交流的，一望人家就觉得不自然。

但实际上，一般我们日常沟通都是要靠眼神的。

交流可以是和对手的沟通，这不一定是从头到尾望着对手，两个人谈话，眼神总会有离开一下的时候。

除了眼睛的交流，还有心的交流。

这可以是一种感觉，真正表演的人就懂得用眼。

望和不望，都可以有其特别的效果。

但都要有心的交流。

通过眼神，表现出人物关系，表现出对对手的态度。

表演元素还有很多，今晚挑出来的这些，可以使演员的基础打得更扎实。

许多人可能会忽略这点，认为上台就可以搞好，也有人认为玩一玩，不用太认真。

但真的要从事表演的话，将基本功搞得更扎实一些，对自己日后也有好处。

除了动作，话剧还强调语言。

话剧以说话为主。

舞台上的语言是需要一定放大的。

舞台和观众是有一定距离的。

如果影视的表演，可以比较自然，但是在舞台上就不行了。

又要小声说话，又要观众听到，这就需要技巧。

舞台上的语言是经过艺术加工的。

很多年轻和业余演员都会在台词这方面较弱一些，弱在没有经过艺术加工。

我们在这方面必须运用些技巧。

舞台语言有哪些技巧？重音，停顿，语调我们必须经过这些技巧性训练来提高。

试用停顿不同来区分以下这句话的语意：妈妈说我不对。

1．妈妈说我不对。

——我错了2．妈妈说我不对。

——我没错3．妈妈说：“我不对！”——妈妈错了……在整理台词的过程中，就要弄清楚，不要太随便停顿。

再看一例：无鸡鸭亦可，无鱼肉亦可，青菜一碟足矣。

1．无鸡鸭亦可，无鱼肉亦可，青菜一碟足矣。

2．无鸡鸭亦可，无鱼肉亦可，青菜一碟足矣。

有时候，有意识的停顿可以产生不同的效果。

台词要求“抑扬顿挫”，顿就是指停顿。

我们接到剧本，往往没有作技巧性处理。

重音，很多时候我们都会忽略。

很多人在舞台上用电视剧的台词方式，而没注意到重音。

有时强调了重音，又忽略了其他，于是变得很悬殊。

所谓轻重是在比较中得出来的，在重音的地方要加强，突出，但不要把其他部分弱化。

多些朗诵，这是话剧课中相当重要的过程。

朗诵要有语言，有情绪。

戏剧是通过朗诵，哑剧结合而来的。

语言方面，语音也是很重要的。

特别是业余朋友，很多同学的台词都不清楚，有的是口音不正。

（某些需要用方言的角色另当别论）。

舞台表演必须要正音。

尽量去正音，这样，对角色的塑造会有帮助。

以后要搞演出，策划和组织很重要。

这关系到平时排练的成果如何捧出来给大家欣赏。

有一年佛大话剧团的晚会有三个舞台监督，这就使演员和工作人员不知道听谁的好。

因为在舞台演出中，舞台监督比导演有更大权力。

要负责上下场的换接，灯光启动等。

舞台监督需要一个果断，熟悉这个戏，有应变能力的人来担当。

当然，会有很多人配合他的。

他不能被任何一个任务困住，他是满场飞的，自由身的。

出场前戴了麦克风，又不出场，压低声音说话，实际上他的声音照样出来了。

这会破坏观众的欣赏，并且干扰了观众的正常听觉。

这些看起来是小事，但积少会成多。

在此有引用意大利剧作家教导斯坦尼的一句话作为结束语：“最好的老师，是自己。

”话剧表演艺术讲座：说话的基本要求1、声量的大小，应作适当的调较。

2、速度的快慢要适中因太快可能会出现<懒音>，<懒音>指那些发音和咬字不依照标。

3、读音要正确。

（二）动听1、逻辑重音：重音指通过强调声音突出意义，令说话不会过于平板。

在传情达意上，含有特殊意义的字，词应读重一些。

2、旋律节奏：说话的快慢形成节奏。

比较重要的说话，可以讲慢一点。

比较不太重要的，可以说快一点。

3、适当停顿：停顿可以制造气氛。

a)逻辑停顿——依照语言逻辑所约制。

b)感情停顿——不受语言逻辑所约束。

4、声调变化：a)升调——由低音起至高音，并以高音结尾。

例：疑问句“为什么让我白走一趟呢？”b)降调——由高音至低音，并以低音结尾。

例：所有叙述句。

c)平直调——由开始至结尾，调子都没有改变。

例：严肃认真的语句，如政府报告。

d)弯曲调——刻意将字音调子弯曲。

例：有弦外之音或相反意思的句子。

“远在天边，近在眼前。

”影响声线的因素1、生理结构，发声器官：声带，牙齿，舌头，唇，鼻，鼻腔。

2、健康状况。

3、视觉、听觉。

4、声量。

5、发声程序。

6、说话习惯。

7、感情。

8、性格脾气，情绪。

9、场合，时间。

10、对象。

11、说话内容。

12、信心。

腹式呼吸的好处1、延长说话的时间，可保养声线。

2、读音咬字更清晰。

3、声量扩大，声音更响亮。

4、声音更具有磁性，圆浑，更具吸引力。

5、平伏情绪，减少紧张。

演员同角色的矛盾与统一1．演员扮演角色是二度创作一部电影文学剧本(包括分镜头本)一旦被制片厂批准投入拍摄，它便成为全体创作人员的创造依据，自然也是演员创造角色的依据。

电影剧本为创作人员提供了作品的主题思想——未来影片的灵魂；提供了电影形象——剧中人物以及为刻划人物而设置的环境——景物、建筑、房屋、室内陈设等；提供了故事情节——人物性格形成和发展历史；提供了语言(对白)——刻划人物、塑造典型性格、人物关系、反映社会生活的不可缺少的手段之一。

作者所提供的这一切，都是演员创造角色的重要依据。

不过，演员单凭这些东西还不够，还难于塑造出一个生动活泼的银幕形象。

因为一部剧作的篇幅和容量有限，剧本里写到的是主要情节、事件和对话。

对于各个事件之间，各人物关系之间，各人物上场之前、下场之后，各人物的经历等等，作者一般都没有专门的篇幅来描写介绍，往往只是通过对话提到或是在作者提示里简单说明一下。

所有剧中的空白和不足之处，都需要演员从自己的生活经历中，从自己间接的生活积累和书本知识中吸取素材，通过演员的想象虚构，加工改造，使之成为填补、充实、丰富角色和剧情的必不可少的生活细节。

演员在用自己设想出来的细节去填补剧中的空白，补充角色某些不足之处时，需要注意不能离题。

不能走样，更不能出格，要紧紧围绕作品的主题思想、人物的性格和思想脉络，这是进行再创造者不可忽视的问题。

换句话说，演员在创造角色的过程中必须严格遵照作者确定的主题思想、人物的出身经历、人物的性格基调、人物的特定关系、作品中所描写的时代、地域等特点来进行补充和发挥。

2．演员进入角色的方法与步骤演员和角色是一对矛盾，演员的任务是创造角色。

因而他是矛盾的主要方面。

创造角色的过程，也就是演员充分发挥创造者的主观能动性、不断克服创作过程中遇到的重重困难，逐渐向角色过渡和转化的过程。