欣赏、观摩电影，不仅仅是摄像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样可以从中获得许多教益。

从摄影家的角度欣赏电影，注重的并不是演员的表演，也不是惊心动魄的视觉效果，而是用光的角度、环境和场景的选择。

为此，我们选择了以下的十部电影，它们的场景令人过目难忘，恨不得身临其境。

1. Baraka（天地玄黄）Baraka是一个古代伊斯兰苏非派单词，含义是“祝福”。

这部影片在刚推出时评价极高，被一些疯狂的影评家称为“二十世纪最伟大的纪录片”。

几年前甚至有人声称如果被流放到荒岛上，唯一愿意携带的电影就是它。

这部电影以地球与人类的进化，及人类与环境的关系为题材，自始至终没有一句对白。

面前的景色究竟来自何方，完全靠观众自己揣摩。

据称，导演Ron Fricke为了拍摄这部电影，带着三人拍摄小组，花费14个月，走遍了六大洲的24个国家。

共耗费四百万美元。

如此高投入的其中一个原因是拍摄器材：它使用昂贵的TODD-AQ 70毫米格式。

同时，本片的音乐效果极为优秀，为你带来不可多得的视觉和听觉双重震撼。

2. Barry Lyndon（乱世儿女）谁有f0.7的镜头？即使是在工业发达的今天，这样的珍宝恐怕也无处寻觅吧。

也许全世界只有一块f0.7镜头——就是导演库布里克拍摄这部《乱世儿女》所用的那块。

这块珍贵的镜头，据说是蔡司为美国航空航天局定制的产品，后来落到了库布里克手中。

他将这块镜头稍加改装后，安到了摄像机上。

f0.7的巨大透光量，使得他在拍摄室内景物时可以完全使用烛光照明，无需任何其它的人造光源。

这部电影无论是野外风景还是室内空间，构图用光都极其用心，就像是一幅幅流动的精美油画，随便拉出一幅，都能挂到墙上。

影片有意识的采用大量的“中心构图”，从视觉心理上来说，只有在对称发生偏转或变动时，才会有活跃动态的感觉，这种静止镜头中的标准对称，只能产生沉闷的心理的感受。

而这也正是库布里克想要传达的：一个死气沉沉的社会，等级森严，无所事事。

在这部超过3个小时的电影中，至少有二三十处值得记录为静态画面的场景。

当然，如果你没有以上所说的f0.7镜头，还是试着打几快反光板吧。

毕竟，f0.7听上去比神话还遥远。

3. The Conformist（顺从者）这部电影可说是大导演贝特鲁齐的成名之作。

虽然情节编排没有选用传统模式，但摄影师Vittorio Storaro充满灵性的拍摄，使得这部片子成为电影史上的经典。

极为讲究的用光，罕见的拍摄角度，以及各种色彩滤镜的使用，都使这部电影增色不少。

虽然拍摄于35年以前，但今天的摄影师们仍旧可以从中学到许多，如“跳出陈旧的框框，创造自己的风格”。

如果你还不知道这位导演是谁，那我来说几个你一定知道的名字吧，《末代皇帝》、《遮蔽天空》、《巴黎的最后探戈》等等。

4. Day of Heaven（梦断情天）静态摄影家经常会谈到所谓的“魔幻时刻”，也就是每天的黎明和黄昏。

这些时间，微弱、温暖的日光使物体显得分外美丽。

但对于电影摄像师来说，由于剧情和资金预算的限制，有时无法选择“魔幻时刻”。

很显然，没有任何一个剧组愿意花大钱请演员和工作人员呆坐一天，就为了黄昏那片刻时分的拍摄。

《梦断情天》也许就是唯一的特例。

这部拍摄于1978年的电影讲述的是二十世纪初的一段三角爱情故事。

导演马利克难得的聘请到了当时的两大著名摄像师：Nestor Almendros和Haskell Wexler。

它的绝大多数镜头都是在黄昏拍摄的，并因此获得了1978年的最佳摄影金像奖。

Nestor Almendros在电影杀青后的感想：“所谓的魔幻时刻，其实是一种委婉的说法，每天最多不过25分钟。

在这段时刻里，太阳刚刚落山，天空还没有黑下来，却已看不到太阳了。

这段时间的光线最为柔和，常常有一种魔幻的效果。

有时，我们每天只能拍摄20分钟。

但是这确实物有所值，影片效果非常美丽、浪漫。

”5. Dreams（梦）这是日本电影天皇黑泽明对梦的勾画。

全剧由八个部分组成，分别是太阳雨、桃园、风雪、隧道、乌鸦、红色富士山、垂泪的魔鬼和水车之村。

这八个梦几乎贯穿了人类生活的所有主题，战争与和平、社会与人生。

在不同的梦境里有着不同的场景，配合不同的色彩，把人类所面对的所有主题一一呈现。

超现实的视觉效果在当年颇为引人注目。

这部电影给静态摄影家们的最大启示就是：要尽最大可能挖掘内心深处的想象力。

本片中，黑泽明大胆的使用了极为鲜艳的色彩范围，从明媚的春光，到阴冷的隧道，或许每个人，都有个彩色的梦吧。

总之，《梦》已经不仅仅是黑泽明个人的一种感情宣泄，在我们的感觉和感情被烂片弄得越来越迟钝和粗糙的今天，我们其实需要的是这样一种真实的童话，而不是那些让人越看越蠢的傻瓜教科书。

6. 末代皇帝（The Last Emperor）又是一部贝特鲁齐的电影。

对全世界任何一个导演而言，拍摄末代帝王溥仪的故事，都是巨大的挑战。

贝特鲁齐成功的完成了这部跨度长达59年（从1908年到1967年）的电影，并使其成为电影史上的经典。

故事的气势宏大，色彩浓郁，场面壮观。

色彩的运用绝对是这部史诗的亮点。

贝特鲁奇和摄影师Vittorio Storaro使用了相当罕见的色调渲染气氛。

例如，在溥仪的童年时代中，他的生活还算丰富多彩，色调以桔红色和明黄色为主。

在“伪满洲国”时期，电影的色调变为压抑的靛青色。

而当他受到毛主席的关怀，接受再教育的时候，色彩变为朴素的灰色。

在溥仪生命的最后阶段，颜色慢慢趋向柔和，暗示着这个历经大起大落的人最后的觉悟……该片在西方上映后。

立即掀起了“中国热”。

1988年，第60届奥斯卡奖颁奖揭晓，《末代皇帝》一举夺得最佳影片。

最佳导演、最佳改编剧本、最佳服装、最佳作曲、最佳剪辑、最佳音响效果、最佳摄影和最佳美工9项奖。

7. 大红灯笼高高挂（Raise the Red Lantern）作为一部心理片，《大红灯笼高高挂》对色彩的运用极为讲究。

张艺谋不愧是摄影师出身，不同色彩基调的反复出现，使观众的情绪也随着剧情忽高忽低。

乔老爷想在哪位太太的房中过夜，那位太太的门前就挂起大红的灯笼。

经典三原色冲印法的使用，使这部电影的红色和黄色十分鲜艳，而这在西方国家的电影中是不多见的。

同时，各式各样色彩鲜艳的服装，也使这部电影显得更为精致。

8. The Third Man（第三个人）感谢数码技术的应用，使这部电影有机会制作成DVD，成为黑白年代不朽的回忆。

在拍摄手法上，这恐怕是电影史上第一次将摄像机安在角落拍摄，以表达不安和焦虑的心情。

同时，有意识的广角畸变和浅景深镜头，也加重了影片冷酷的基调。

大量光影的使用，有效地调动了观众的注意力。

整个影片像梦魇一样震撼，且过目难忘。

与前几部彩色电影相比，这部黑白电影是不是显得有些过时？但是如果你仔细看完这部影片的话，你会重新体会到黑白光影的魅力——单色的魔术。

这部电影曾荣获嘎纳电影节金棕榈奖，第23届奥斯卡最佳摄影金像奖，英国电影学院最佳影片金奖，并被评选为英国电影史上最佳影片第一名。

9. Visions of Light（光的影像）严格来说，这并不是一部电影，而是一部“关于电影的纪录片”。

在这部电影中，我们也能发现以上介绍过的多部影片。

例如《梦断情天》的摄影师Nestor Almendros，他在临死之前接受了这部电影的短暂采访。

还有《末代皇帝》的摄影师Storaro等人。

这部电影由数百个电影片段组成。

影片结束后，你一定会深深地被摄像机背后的灵感和魔法打动。

而静态摄影师也将从中获益匪浅。

这是一部摄影科教片，数百个片段将指导你如何用光，如何选择合适的色调，如何使你的片子成为经典。

这部电影按年代划分为三个部分，第一部分是无声电影年代。

第二部分是带旁白的黑白电影时期。

第三部分是彩色电影时期。

影片最后讨论了如何利用不同的色彩调动观众的情绪。

10. Winged Migration（鸟与梦飞翔）这是一部关于野生动物的纪录片。

相信很多摄影家都有过拍摄飞鸟的经历吧。

长焦加连拍？那只是小儿科。

让你看看这个疯狂的法国导演是如何拍摄飞鸟的。

凭借上百万美元的经济支持，导演Cluzaud雇用了四百五十人的拍摄队伍。

拍摄工具包括热气球，小型滑翔机，甚至伪装成飞鸟形状，内藏摄像机的小型飞机。

在第一年内，他们基本不拍摄，只是跟着鸟到处迁徙，和这些鸟混得很熟，使得这些鸟对他们不再警觉。

之后的两年，他们的拍摄团队（其中包括五十人的鸟类专家）跟踪这群飞鸟，穿越四十个国家，并将所有结果浓缩在98分钟的电影中，平均每225分钟素材只取一分钟。

效果自然极为真实感人。

在花絮中你可以看到，摄制组不惜时间，驯化了一批小鸟，使它们习惯飞机的轰鸣声，用于拍摄在航空母舰和工厂那几场戏。

摄影师需要和初生的小雁培养感觉，模仿它们的鸣叫，跟它们一起游泳，让它们认为摄影师它们的一员。

正是这种不可思议的耐心的感情培养，才有了那些如此近距离而又真实的镜头展现给我们。

作为一部纪录片，《鸟与梦飞行》在法国能达到250万人次的票房，并不是偶然的。

绝美的画面，得体的配乐。

震撼人心的镜头，就是一部完整又完美的交响乐。