中国人物线描画技法.txt吃吧吃吧不是罪，再胖的人也有权利去增肥！苗条背后其实是憔悴，爱你的人不会在乎你的腰围！尝尝阔别已久美食的滋味，就算撑死也是一种美！减肥最可怕的不是饥饿，而是你明明不饿但总觉得非得吃点什么才踏实。

内容简介
《中国人物线描画技法》内容简介：对于阐述创作所涉及的问题，的确难于下笔。

因为文学家、艺术家一生的基本实践过程，应该是一个创作的过程，是在一定的艺术思想指导下的一种极其复杂的精神劳动。

那么，什么是画家的“创作”活动？正如人，有话就要说，作为从事绘画的人，有“画”也要说。

这可能就是美术“创作”了。

但美术“创作”的艺术形式是多样的，美术家的艺术气质、艺术个性皆不同，因此，在绘画领域，艺术风格和手法千差万别。

不同的历史条件，艺术主张各异，近似者结成绘画诸多流派，在绘画史上留下了各自的足迹。

因此在美术“创作”这一课题中，是难于概括详述的。

绘画作为一种艺术门类，由于画种不同，表达方式因体系原因亦有各自的规律和特定的外部条件；又因政治、经济变化的影响，不同民族、不同地域之风情，使其充分体现出民族性和鲜明的时代性。

“创作”作为一个过程，是一种艰辛的实践活动。

它要求作者具有相应的技能技巧和从事专业行当的能力，表现的形态不是概念的而是可视的、具体的。

作为绘画创作，是在平面上的瞬间定格。

“创作”作为一种修养，它是一种精神寄托，是人格的体现，是文化水准的体现。

它概括了作者从事艺术以后的“台上功夫和戏外功夫”。

目录
引言
第一章中国人物画线描的历史
第二章传统线描程式——十八描
第三章线描工具的使用和线描的基本方法
（一）线描人物画的工具材料
1.纸和绢
2.毛笔
3.墨
4.砚
（二）线描持笔和运笔的方法
第四章线描的艺术审美规律
（一）线描的对比因素分析
（二）线描的书法用笔
（三）线描与造型的关系
（四）用线描表现空间
（五）线描与体积感
（六）内轮廓线与外轮廓线
第五章线描人物的临摹
（一）临摹的意义
（二）临本的选择和分析
第六章线描人生写生
（一）人体结构解剖分析
（二）头部五官画法
（三）手、脚的画法
（四）衣纹的画法
（五）写生中模特的安排
（六）视角和透视
（七）写生的步骤（全身人像写生）
（八）写意线描写生的画法
（九）线描写生的造型能力训练
第七章线描在人物画创作中的应用
图版
第一章中国传统线描
第一节历代有代表性的画家及作品
第二节线描的技法与表现形式
一、用笔的法则
二、十八描和应用分类
三、程式化的借鉴
第二章线描的造型功能
第一节粗细
第二节疏密
第三节方圆
第四节虚实
第三章线的气质与个性
第一节传统中的表现
第二节日本、西方的表现
第四章临摹、写生、创作图例
第一节临摹
第三节写生
第三节创作
后记本书主要介绍了线描摹及写生的工具、材料、基本技法及其方法步骤。

作者结合自己在中央美术学院从教十多年的实践，系统地介绍了中国传统描艺术的基本程式和方法要领，以及西方绘画中关于线条的基本观念、表现规律。

同时对不同历史时期的中西方的优秀作品进行了生动的分析，并以实践教学为基础，在比较中探索线条的本质区别及产生的艺术效果，与同类书相比具有较强的实用性和明确的目的性。

本书语言简练、论述精辟，配有近200幅精美图片。

适合高师美术专业本、专科及同等学力和美术爱好者使用。

=★= 作者简介
色调是画色彩一个很重要的要素，色调直接感染着我们的情绪。

画色彩时，首先要抓住调子，具体讲就是色彩要统一在特定光线下作为一种带倾向性的色彩。

色彩必须有对比，如冷暖对比、节奏对比，如果一味地强调对比，色彩又必然零乱，所以在对比的同时，色彩一定要统一。

但只有统一没有驿比、变化，色彩又会显得单调。

画色彩应注意整体、统一、对比。

在找出色彩细微变化的同时，别忘了整体。

只要大的色调抓住了，色彩又非常丰富而有变化，又特别的整体，又体现传达出作者的感情，这就算是一幅较好的色彩作品了。

画色彩必须感性多于理性。

注意“彩”味，不然必定是光有色而没有“彩”色彩，不但有色，更要有“彩”。

绘画是一种语言，绘画的过程就是画家把他所看到的、所感兴趣的事物用线条、光影和色彩表达出来，当然这种表达并不是如实的模仿，而是有选择性的。

一切艺术的表达都是有选择性的，因为绘画的意义不在于它能客观地再现自然，我们顶多只可以画出一种对自然的错觉。

任何绘画都是两维的，既宽和长，而深度则是错觉而已，并不是真正意义上的“深”，而且我们的颜料的明度、色度都是有限的，颜料的色调范围远远没有自然的色调范围大，颜料中白色就是最亮的，而自然中的太阳、灯水、火焰等发光物，其明度远远超过白色。

因此，绘画需要用非常有限的颜料来表现万物就需要学会技巧和原理，不仅如此，如何能表达出你对事物的看法，如何传达情感，如何用你自己独特的绘画语言来创造你自己的风格，都需要学习。

本书企图通过对不同风格和处理的静物作品的分析，给艺术学校以直观的感受。

在分析过程中，作者自然地溶入一些相关的绘画在理，这样可以使学子们举一反三，触类旁通。

中国画艺术有着悠久辉煌的历史。

绘画古代亦称“丹青”，“丹”指丹砂（朱砂），“青”指石青、石绿等重彩颜料。

说明绘画古来无不着色，中国画在漫长的成长过程中，经过继承、发展创造，已形成了我国独特的表现形式和强烈鲜明的色彩艺术风格，堪称东方色彩美学的典型代表。

中国绘画的色彩艺术在表现形式上，在画底、颜色的研制和使用上都有着丰富的完整的独特的功能和严谨的程序。

然而历代的画论，记述的却很零散，学术界对传统绘画的色彩研究也普遍忽视，这要部分地归咎于南宋“文人画”兴起之后，国人对水墨画强烈的审美和哲学的兴趣。

在中国美术史上，工笔重彩和水墨写意的发展，其升沉起伏既与功能有关，又离不开作者群的审美旨趣和艺术观念。

当“文人画”独领风骚的那些朝代，民间绘画及民间的工艺美术在
中华大地上仍是生生不息，显示色彩艺术的生命力，继续谱写着中国绘画色彩的篇章。

试想，如果没有敦煌壁画、李贤墓室壁画、永乐宫壁画、法海寺壁画及全国各地的庙堂壁画、年画、传神画等的存在，那么中国绘画的色彩发展将会是什么样子?虽说水墨画从元代以来积累了丰富的经验，发挥了高度的艺术表现力，应该说民间绘画与文人画犹如鸟之两翼，相互影响，相互促进，构成了中国绘画的色彩体系，屹立于世界艺术之林。

对中国画色彩的精神性、表现性价值以及中国画颜色的性能、表现技法的全面研究是我们面临的一个重要课题。

对于一个初学者来说，认识色彩世界，掌握中国画色彩的特点（规律），也包括中国画所运用的材料及其处理，应有全面的了解。

从而使自己在探索的过程中，从必然王国到达自由王国，这也是作者编写本书的初衷。

不容讳言，传统的工笔重彩画，几百年来走的是下坡路。

建国以后，虽有好转，可是至今一提到中国画的创新，人们仍认为色彩应是一个突破口。

在中国画中怎样发挥色彩的更大潜力，从这一点出发，我们将涉及到对我国传统绘画色彩的再认识、再发现、再宏扬；包括对民间绘画色彩的再发掘和吸收。

西方绘画对色彩的研究和表现，当然也应当借鉴。

不论绘画如何发展，从画面效果看，色彩永远是首要的构成因素；色彩的探索只有热爱色彩的人才能深刻地领会其内容，感受其内在的实质。

色彩可供不同民族、不同地域的人们使用，然而它只向热心探索的人们显示其更深的奥秘。

当此世纪之交，对中国画问题的讨论进行过多次，见仁见智，变革是不可阻挡的必然。

可是，世上不存在没有传统的创新。

传统中有阻碍创新的东西，也有未被我们充分认识，体现着艺术规律的东西。

要求我们正确意义上的继承和拓宽，在现代化和纵横借鉴中去拓宽。

这种变革需要开放的、多元的文化环境，更需要当代艺术家在观察、思维、表现等艺术创造过程中，为自觉、自由的色彩感觉、色彩感情和色彩想象不断探求色彩的个性审美形式。

引言
第一章中国画色彩的创造历程
第一节古代中国画的色彩
第二节现代中国画的色彩
第二章中国画的颜色
第一节中国画颜色的品种
第二节中国画颜色原料的选择与研制
第三节中国画颜色的使用方法
第四节中国画画底的制作方法
第三章中国画色彩理论与表现形式
第一节中国人的色彩观
第二节中国画的色彩画论
第三节中国画色彩的画理要求
第四节中国画色彩的表现形式
第四章中国民间绘画的色彩
第一节中国民间绘画
第二节壁画的色彩
第三节木版年画的色彩
第四节民间绘画颜色的使用和用色艺诀
第五章中国画色彩赏析
后记
图版。