世界名画欣赏罗丹说：“生活中从不缺少美，而是缺少发现美的眼睛。

”是啊，生活中从来就不会缺少美，而是我们往往忽略了它。

生活中有许许多多的美，其中之一就是世界名画之美，下面我将介绍两幅名画以及我对他们的理解。

一、《最后的晚餐》这幅世界名画是由意大利伟大的艺术家列奥纳多.达.芬奇创作的，是他直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。

它主要描绘了在庆祝逾越节（是犹太教的主要节期之一。

逾越节是犹太历正月十四日白昼及其前夜，是犹太人的新年，犹太民族的四大节日之一（第二个是犹太历七月吹角节—赎罪日—住棚节，一个节日系列；第三个为献殿节；第四个是普尔节）。

逾越节是基督的一个预表。

）的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。

餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。

在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。

沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。

他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。

大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。

我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。

在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。

他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。

我们知道他就是那个叛徒，犹大.伊斯卡里奥特。

犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。

犹大的侧面阴影旁是圣.彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣.约翰靠去。

彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。

圣.约翰的头朝彼得垂着。

在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。

约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。

耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。

从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。

小雅各的另一边，圣.菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：”你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。

”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。

围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。

巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。

右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。

到此为止，画里十三个人的外貌，情绪和性格特征，活灵活现地印入我们的脑子里，观赏画的人好像随画中人经历了这一严重时刻。

这是一群典型的人物，具有典型的性格，处在典型的环境中。

画面具有戏剧冲突的舞台艺术效果，它是一幅具有划时代意义的情节性历史画，这个题材曾为达芬奇之前的不少画家所描绘过，但唯有达芬奇的《最后的晚餐》为空前的杰作画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。

为了构图使图做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。

越靠近耶稣的门徒越显得激动。

耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。

耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。

他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。

达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。

在众多同类题材的绘画作品里，此画被公认为空前之作，尤其以构思巧妙，布局卓越，细部写实和严格的体面关系而引人入胜。

构图时，他将画面展现于饭厅一端的整块墙面，厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结，使观者有身临其境之感。

画面中的人物，其惊恐，愤怒，怀疑，剖白等神态，以及手势，眼神和行为，都刻画得精细入微、惟妙惟肖。

这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合，与构图的多样统一效果互为补充，使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的作品。

《最后的晚餐》在艺术形式的处理上也是极为完整和成功的。

画面的构图并不复杂，基本上是在一直线上穿插变化的，因此总的是在单纯中见丰富。

大师把十三个感情激荡的人物有机地组合在一起，既有区别又紧密联系，既突出了基督的主要形象，又层次分明地刻划出每一个人的外貌和性格特征，高度地概括又深刻地揭示了这一戏剧性的场面。

画家尽可能地调动了一切艺术手段，着意表现出耶稣的临危不俱、神态自若。

画家将十二个门徒三人一组平均对称地分配在基督的两边，以其各自的动作和表情与基督发生联系和呼应。

整个环境和道具的处理比较单纯，为的是更加突出激动的人物，这些独具匠意的艺术处理，使艺术语言显得高度精炼。

达到炉火纯青的境界。

五百年过去了，这位文艺复兴时期的天才“巨人”的伟大作品，对于我们中国的画家和观众，仍然具有极大的魅力，艺术是人类共有的精神财富。

《最后的晚餐》这幅画虽然歌颂的是基督教的主题，我们并非赞美基督教的精神的伟大。

但画家笔下所描绘的不是神而是人，是人类社会中真、善、美的化身，是人类善恶的对比写照。

大师所歌颂的不是神的力量，而是人的善良、正义的美德；斥责的是卑鄙和丑恶的叛徒行为。

因此，这件杰作在历史上永远是不朽的，它不仅属于意大利人民，也属于全世界的人民。

通过欣赏这幅画也让我对美有了深刻的理解，这幅画不仅线条美丽，人物表情和形态刻画的更美，画面的构图并不复杂，基本上是在一直线上穿插变化的，因此总的是在单纯中见丰富。

它让我明白，美并不一定代表复杂和色彩鲜艳，有时候简简单单更美。

美丽也不一定代表华丽，金碧辉煌，简单的构图也是一种美。

达芬奇用一种简单的构图却更加加深了人们对画面之美的印象。

它的美不在表面，而在于人物形象、形态的刻画之美，它是内在的美，让人们久久无法将其忘记。

看了这幅画，我对美有了全新的认识，对于美不在再那么局限，内在之美才是真的美。

二、《割耳朵后的梵高》中文名：扎着耳朵的自画像外文名Self-Portrait with Bandaged Ear 创作时间1889年1月创作地点阿尔Arles类型画布油画Oil on canvas尺寸60x49cm888年梵·高邀请高更来阿尔同住，但两个固执的艺术家却是不断的争吵。

在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵·高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的右耳。

世界把自己的癫狂最先传染给人类的画师就像曾经给他的笔端注入魔力[2]。

我们惊讶地注视着梵·高扭曲的面孔、恐怖的眼神和颤抖的手势：他仿佛在代替整个人类受刑，成为痛苦的化身。

想到这里，也就能理解梵·高作品中挣扎的线条与狂舞的色块：倾泄的颜料里调和着他的血，而画布，不过是他包扎伤口的绷带。

这是一位生活在伤口里的大师，他习惯用伤口对世界发言。

这是一个疼痛的收割者，他的镰刀最终收获了自己的耳朵。

梵·高死了，却留下了一只著名的耳朵——这最后的遗物似乎并没有失去听觉，收集着后人的议论。

这只在故事中存在的失血的耳朵，至今仍像埋设在我们生活中的听诊器，刺探着我们的良心。

梵·高死了，耳朵还活着，还拥有记忆。

为什么不在他呻吟与崩溃的时候，扶持他一把——世界，你听见了吗？你的耳朵长在何处？他据此画的这幅自画像，成为他最具代表性的作品之一。

他家头缠绷带，面孔消瘦，眼睛深陷，流露出悲愤和绝望的感情，整个画面好像处一于滚动的波涛之中，汹涌的狂流似乎在威胁着狂热不安的画家，给人造成一种巨大的视觉冲击力量。

创作背景在巴黎期间，他创作了从第一幅《戴黑色毛毡帽的自画像》到1888年初的《画架前的自骊像》共八幅自画像。

1888年2月，梵高在朋友的推荐下来到法国南部小城—阿尔，从而迎来了他创作的高峰期，这一期间《自画像—献给高更》和《包扎耳朵的自画像》等三幅自画像诞生。

1889年在来到雷米尔后他又创作了最后的三幅自画像。

1888年梵·高邀请高更来阿尔同住，起初他们相处愉快，但随着梵高病情反复，两个的艺术家却是不断的争吵。

在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵·高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的右耳。

文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。

他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。

梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。

1853年3月30日生于津德尔特，1890年7月29日在法国瓦兹河畔因患精神病自杀身亡。

早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。

曾在巴黎结识E.贝尔纳、P.西涅克和P.高更等画家。

1890年7月29日，梵高终因精神疾病的困扰，在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命，是年他才37岁。

早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。

曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。

不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索自由抒发内心感受的风格，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。

台湾译名梵谷。