歌曲作曲的一般技巧作曲当然要遵守音乐的规律，但各人的方法和技巧又有不同之处。

如，有的人习惯先有词后作曲，也有人习惯先有曲后填词的(香港、广东人多)。

有人先作一个总体的构思然后再动笔，有人完全按照感觉来写，认为按照下行5度和弦圈的经典走位来写旋律不会难听。

但我看，要创作一首完整的好歌曲，基本的技巧和方法还是不能没有的。

这里为大家讲解一下基本的创作技术问题。

一、主题一首歌的音乐，要有一个能够集中地概括整个作品的思想、感情、性格的音乐主题。

乐曲的长短要根据内容而定，象一条主线贯穿全曲。

歌曲的音乐主题往往是根据第一句歌词的特点所创作出来的，有些歌曲的主题，往往根据半句歌词加上衬字拉开来创作的，也有一些歌曲的主题，加了许多虚词和衬字把主题加长了。

一首歌乐曲主题的配制，首先是从研究歌词开始的，要进行反复吟颂，借此来了解歌词的意境，进行研究分析，并对歌词作修改和修整。

要形成准确、鲜明、生动的音乐主题形象，才能正确深刻地表现词意的思想内容;其次，对于体材也要选择合适的，根据内容需要量体裁衣，以增加作品的表现力和艺术感染力。

二、发展1、段落音乐的发展安排在合理的作品结构之中，歌词的结构是音乐段落结构的重要依据。

段落分一段体，两段体，三段体等。

比较常见的是两段体和三段。

段落可以分为对比和类似形式。

对比，如：前面比较舒缓，后面比较高昂;前面比较紧凑，后面比较庸散。

从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。

从音乐上说，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。

从而起到对比的作用。

在编曲上可以更明显地看到，一般副歌部分总是比较高潮，而前面总比较缓慢。

但这也不是绝对的。

学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。

如果写得好，那也是非常精致的东西。

但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。

现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等。

数学里面有黄金分割点，人们在美术、音乐等艺术领域都很注意这个点。

按照美学观念它是最完美的点。

一首3分钟的歌，在黄金分割点上，大概2分多钟的时候，总是一个歌最最好听的地方，他或是高潮部分，也许是一首歌最最精华的部分，在编曲上尤其是这样。

黄金分割点，是最容易打动听众的点，也是最容易渲染感情的点。

2、重复重复永远是音乐中的不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。

(重复也是同度模进)。

重复的技巧也很多，移位重复还包括严格移位和混合连续移位。

3、倒影它就像我们在水边，看到自己的影子。

如：33345 33321。

在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。

这样写出来的旋律，不会很散。

4、模进模进分严格模进和自由模进。

严格模进，要求各旋律音程之间完全一样，旋律线条也要完全一致。

如：3323 2212 。

自由模进，则没有这个限制。

如：1123 3345(1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同)5、对格各艺术门类都是相通的。

在文学创作中的某些技巧，放到音乐里也完全适用。

在一些人写的诗联，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。

放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。

然后依次类推。

如：123 312 234 465，前面的最后一个音符，是后面的第一个音符。

李宗盛有时通篇都使用对格的技巧。

歌曲变音用得如何，很大程度上看作者对旋律的把握程度。

一般来说，表现明亮色彩的歌曲用大调，相反，表达忧伤或温柔的歌曲用小调。

我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。

在小调中，多使用#4和#5，是不会有错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。

如果想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。

例如，罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。

李泉的爱的颜色中，用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。

橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。

如果改用4的话，旋律色彩就会大打折扣。

7、浓淡疏密1：疏密有致。

国画讲究疏可跑马，密不透风，有疏有密。

在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。

如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排得平稳些，以起到一个平衡的作用。

2：深浅分明。

国画讲究墨色深浅枯湿，分深、浅、灰等五色。

在音乐作品中，如果前面两小节都使用了上行的旋律，如：1123 3345，那后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。

如，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升，且不带拐弯地到达高音1，音程跨度纯四度+纯八度。

第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。

给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。

但在当今的许多歌曲，特别是流行音乐里，几乎没有这种限制了。

现在作曲家对歌曲的定调，一般是根据歌手的音域来确定的。

男歌手一般最高音定在G上。

(钢琴上叫小字二组G，吉他上是第一弦的第三品)。

如果太高，降一度也够了。

女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。

吉他是第二弦空弦)。

太高的话也降一度。

当然，这也不是绝对的，只是一个大致的范围，听说帕瓦罗蒂可以唱到高音#C。

大家可以在琴上感觉一下，钢琴是小字三组的#C，吉他是第一弦第九品。

9、变调我在江西、北京两次听到张千一讲自己的歌曲创作体会，每次对转调的问题都谈得特别多。

调性的对比，确是非常重要而有趣的，一首歌前面如果是小调，后面可改用大调来发展。

前面如果是C调，甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调)，都是可以的。

这样能让听众有耳朵一亮的感觉。

但不要忘记，调是为歌服务的，转调是为了更好的抒发情感。

所以不管你转成什么调，一定不能单纯为了转而转，音乐也要有再现。

齐秦的《大约在冬季》，他在第一段开头用大调1，结尾是小调6，副歌部分也是小调，很好地抒发了离别的情绪。

张国荣的“共同度过，本来旋律并非很出彩，副歌部分也是一般，但作者连续用了四个转调，把感情全部唱出来了。

转调技术在间奏里用得也比较多，还有离调，但这是编曲的范围。

如果间奏忽然转调了，那么在结尾的时候，一定要再转回原调。

调式的学问很多，在印度的音乐里，把3和4这一对半音兄弟，再切一半，变成12音音阶，更难唱。

光音阶上的变化就有几十种，还分上行和下行，还不包括临时变音等，很难懂。

是C调的话，结尾一定要从G到C才可以，不然不及格。

但有不少歌曲里面结尾并不到C，而是G到#G(就是#5 1 #2)，在听觉上非常新鲜。

还有G到G增和弦。

就是(5 1 2)也非常新鲜。

有一种意犹未尽的感觉。

10、起承转合。

中国的诗词歌赋是要讲究起承转合的，四句式的歌曲或歌曲主题部分也有起承转合音乐结构的。

开头的第一句就是起，一般都是有音乐动机组成的，是写歌的一个动机所在。

第二句就要相承了。

第三句就是转，是主歌部分最精华所在，很多优秀的音乐人都在这里大做文章。

如果前面两句用上行旋律比较多的，第三句一定不要用，改成下行。

前面如果旋律比较平和，到这里，一定要写的凹凸些，就象美女的线条。

用一些变音什么的，节奏改一些，也是非常常见的手法。

第四句叫合。

是前三句的总结，有人把第一句照搬，那是最简单的办法。

也有人把前面三句用到的动机，整合在一起作为第四句，也未尝不可。

实际上，创作手法是多样化的，主要看情绪发展，你想表达什么。

11、词曲配合。

汉字有本身的发音，1、2、3、4声，念的时候，大家都严格按照发声的，上入声，本来也包含了音乐成分在里面。

如果没有按照发声规律念，很容易就变成另外的意思了。

而在音乐创作中，这是最最忌讳的。

如果歌词的感觉是摇滚的，曲子却写成民谣的，听上去感觉一定不行。

曲子是古典风味的，而词的感觉却是很现代的，感觉就会很别扭。

齐豫以前有盘专集，曲子都是从古典音乐里出的，新填上词来唱，感觉不好。

因为那是人家为器乐而写的曲子，改成人声了，当然不好。

12、最高境界。

鲁迅先生说过，文学的最高境界就是，添一字嫌太肥，减一字嫌太瘦，就是说，好的文章，你一个字都不能增减。

好的曲子也是一样。

加任何一个音符进去，你都觉得不好，删除任何一个音符，你都觉得不对，到了那个时候，就是曲子最完美的时候。

如果对巴赫的复调加音符进去，就会发现，加在任何一小节，其他地方都要作很大的改动，而改好之后，又会发现完蛋了，不能听了。

但歌曲有所不同，因为要加歌词。

词，是为曲服务的，是依附在曲子上的。

所以宁可让词牺牲点，也尽量不要去改动曲子了。