第一节舞剧基本理论一、舞剧词解舞剧—“以舞蹈为主要手段，表现一定的戏剧情节内容的舞蹈形式”。

（见《中国舞蹈词典》第130页）舞剧—“以舞蹈为基本手段的戏剧”。

（见（（美学词典》540页）两种解释的差别在于，一种认为舞剧是舞蹈的戏剧，可以区别于歌唱的戏剧（歌剧），语言的戏剧（话剧）等，重点强调是以舞蹈为基本手段的。

也就是说，舞剧应该有它的独立存在价值，就像《奥涅金》，不能因为先有了歌剧《奥涅金》就使舞剧《奥涅金》逊色、多余。

舞剧中的舞蹈，特别是主要人物表现主要情节的舞段，应该是优秀的乃至精彩的舞段。

另一种解释认为有戏剧内容的舞蹈形式，可以区别于抒情舞如抒情性的独舞、双人舞、三人舞、集体舞等。

“抒情舞是舞蹈艺术的本质属性，而舞剧要求舞蹈表现手段必须有叙事的功能。

因此，抒情性与叙事性的完美和谐结合是舞剧的基本美学原则。

”（见《美学辞典》第540页）舞剧之所以区别于舞蹈主要在于它有叙事性舞蹈，即情节舞，也就是那种能表现特定人物在特定情节中的舞蹈，特别是能展现矛盾冲突的舞蹈（如《奥涅金》三幕双人舞；《驯悍记》中驯悍双人舞）。

这样才不至于名为舞剧，实则舞蹈只是陪衬，只用于描绘地方特色、时代色彩，一到主要人物的主要情节就只能用哑剧、标语、字幕、说明书完成。

或者是安排了情节舞却没有编出特定人物的特定舞蹈，语无伦次、含糊不清，缺乏魅力也不能使观众满意。

所以我们的教学大纲要求学生在完成情节舞单元之后才学习舞剧。

在舞剧中情节舞要力求达到“抒情与叙事完美和谐结合”。

这是创作舞剧的关键。

讨论： 1.能否按照自己的观念概括说明什么是舞剧？2.舞蹈和舞剧的区别。

二、舞剧的特征舞剧的特征是相对于一般的非舞剧舞蹈而言的。

在时间上，一般大型舞剧的时间为90一100分钟，中型舞剧40一50分钟，而一般的晚会舞蹈有3一5分钟的，也有6-9分钟的，1 0一巧分钟就比较长了。

所以，大、中型舞剧时间长便是特征之一。

舞剧具有特定的人物、情节，因而比非舞剧复杂。

例如，大型舞剧有三幕六场的篇章式，一般最少四章，其中每一场都有若干段，全剧独舞、双人舞、三人舞、集体舞、场面调度等搭配，编舞量大，需要一个庞杂的组织机构才能运转。

如果在人力、财力、物力、时间上没做好准备绝对不能轻易开始，一旦开始，编导就要应对来自各方面的层出不穷的问题。

这也是大型舞剧的特点。

舞剧规模较大，因此对于编导在创编上的要求相对会高，不仅要拿出好本子，还要编出好舞，在导演能力上也要比一般舞蹈编创更强。

舞剧导演要具备在纷繁复杂的过程中始终抓住舞剧中心环节的能力，与剧组各方面人员相互合作共同创造的能力，工作开始前及进行中的组织能力，充分准备之后还要有很强的应变能力，身陷具体琐事而对最后演出的预见能力等等。

如何才能具备以上的能力？主要是靠实践。

以后我们会学一些工作程序和方法，但是学习任何方法都不能替代实践。

选择编导专业要有坚强的性格，勇于拼搏、探索成功之路。

著名戏剧导演焦菊隐说得好：“宁肯失败在探索上，也不能失之平庸”（焦菊隐《戏剧散论》）。

舞剧是“一组以戏剧、音乐、舞蹈、舞台艺术四种成分组成的综合性的舞台表演艺术”（见《中国舞蹈词典》）。

而戏剧、音乐，舞美在舞剧中都有各自的特征。

在说特征以前先了解一下共性，也就是上面引用的那句话中的“舞台表演艺术”这个词。

舞台表演艺术是“需要有参与者—作者、演员、观众等”（见《简明不列颠百科全书》第八卷第496页），要“有当众表演的直观性”，是“通过—当场表演—使观众获得—审美体验”（见（（美学辞典》第485页）的艺术。

作者通过演员，演员通过舞台表演使观众获得审美体验，这是一切舞台表演艺术共同的规律，舞剧也不例外。

这就提醒作者（编导）两点：一是编导要熟知演员动作的可能性及舞台的局限和规律，一切创造要在这种可能性和规律之内才有效。

二是创作的一切要素—编导、演员、舞台的运用等，都是为了观众满意而不是自己满意。

观众是舞台表演艺术的上帝，也是舞剧的上帝。

再来看“舞剧是以戏剧、音乐、舞蹈、舞台美术四种成分组成……”这句话，由于其中是以舞蹈为主、为基本、为核心，使得其他三种成分都因此而有了舞剧的特征。

</P< p> 为了发挥舞蹈善于抒情的优长，舞剧中的戏剧成分往往要简化。

我们常见的由文学作品为依据结构为舞剧的作品，过多的人物要省去，次要的人物要合并，几个事件只留一个最主要的，而将主要人物个性鲜明的舞段、感情或心理波澜大的环节、事件的矛盾冲突处，设置成完整的舞段大加发挥，例如《奥涅金》三幕的双人舞。

所以，曾有这样的说法：“舞剧中不能超过四个人物，不能超过三个事件”这虽然不是法律禁令，但说明舞剧不长于叙事而长于抒情，它的戏剧成分要简练、集中，人物要鲜明，相互间反差要大，这也是舞剧的显著特点。

由于舞蹈是舞剧的核心，那么与之相关的舞台美术，包括布景、灯光、服装、化装、道具也就有了特点。

舞美往往实景较少，将舞台空间留给舞蹈；而灯光变化用得较多，烘托不同时空的转换以及营造意境、氛围；服装一般穿得较少，以便突出人体动作，比如传统芭蕾的男主角，不论是王子还是牧羊人约定俗成都穿紧身裤；化装的头饰帽子一般从简，特别是主角，比如唐女子高髻，如果是女主角就要缩小降低，否则头长压了躯干和四肢动作不美或限制了头的动作。

道具在外国舞剧中用得较少，有时在象征身分时用一下，到舞蹈时就放下，便于展现人体动作。

中国人有所不同，中国的舞蹈历来使用的道具很多。

小至扇子、手绢、袖子、绸子、刀、枪、剑、戟，大至狮子、龙灯。

中国舞蹈中，道具非但不是舞蹈的妨碍，反而是手的动作的延长，从而产生了许多独特而丰富的道具舞。

利用周围一切资源来舞，中国人的武术、戏曲能够与环境中的任何物体共舞，不只是用手。

你们看成龙的武打片，桌子、椅子、柱子、衣服、楼窗、树、房顶……没有一样不能利用的，那种机智、趣味、丰富真是中国人的优长。

在中国的舞剧中，道具有其特别的意义，它可以突出人物个性，推动剧情发展，组织丰富的舞蹈。

舞台美术的总体原则是简，以一当十是非常必要的，能减则减，能免则免。

布景、灯光、服装、道具、化装也不例外。

舞剧的音乐服从于舞剧结构，时间长且结构复杂，因而舞剧音乐一般是一部结构完整的交响乐曲。

编导要将意图告诉作曲家，给予其充分的自由，这样，作曲家才能写出一部优秀的舞剧音乐。

好的舞剧音乐即使编导能力不够，若干年后有才能的编导会让它重新立在舞台上，《天鹅湖》就是最好的例子，可见舞剧音乐的重要。

不要过于拘泥节拍多少，以致将音乐拆得支离破碎。

以上所讲舞剧中的戏剧成分、舞台美术、音乐的特征都指的是一般规律，是从已有的大多数成功或失败的作品中总结出来的。

但也有例外，毕竟，随着舞剧的发展又会总结出新的规律，因此任何规律在创作中不能视为禁锢，一定要根据“这一个”剧目的需要灵活运用。

三、舞剧的分类古今中外已有的舞剧可以说是一个海洋，可惜我们所能见到的却很少。

但仅是我们见到、听到或了解到的那一小部分就千差万别。

这里，我们用比较简便的方法进行分类说明，大致分成三类。

（一）戏剧式这种舞剧按照戏剧的开端、发展、高潮规律结构，是传统的舞剧结构方式。

说传统是因为从is世纪意大利、法国把舞蹈用来“表现故事”起就是如此，如《关不住的女儿》（法国）。

中国20世纪50年代舞剧的创作是从两届“苏联专家舞剧编导班”开始的，那时候学习的主要就是戏剧式创作方法，所以，我国20一世纪50年代的舞剧《小刀会》、《宝莲灯》都是用这种方式来表现中国历史及神话的舞剧。

这一类舞剧的戏剧成分比较多，例如较多运用哑剧、生活场景、戏剧场面等。

有人会问，这种戏剧式的舞剧是否过时了？答案是否定的，克兰柯的《奥涅金》、《驯悍记》及他学生创作的《茶花女》等等，至今在世界各国广受欢迎。

在《奥涅金》中，据说克兰柯在主要人物舞段中都设定了潜台词，舞蹈正是表达了潜台词。

在戏剧“斯坦尼斯拉夫斯基”的表演体系中，正是从分析剧本的最高任务人手，分析角色的最高任务，分析每个角色的台词找到恰当的“潜台调”，即角色此时此地的心理活动。

所以克兰柯这么做并非偶然，他是在编过许多抽象的音乐式舞蹈作品之后，并且到苏联学习了戏剧式舞剧编导方法之后，于20世纪60年代创作了《奥涅金》、《驯悍记》这一类舞剧的。

除去戏剧式的结构，克兰柯在舞剧中运用了大段的戏剧场面、细节。

例如，《奥涅金》第一幕第二场，女主角达姬雅娜睡不着觉，于是写信，写了又撕，很长一段一点舞蹈都没有，与大段的双人舞自然衔接观众居然乐意接受。

这种传统的戏剧结构方式在中国比较容易被广大观众接受，因为中国大多数观众习惯于欣赏具象的、有人物、故事的表演艺术，如（（红色娘子军》、《白毛女》等。

剧目分析：《奥涅金》作剧目介绍，并将要分析的提纲，如：内容、意图、结构、全剧风格、分场、各场风格的区别、主要人物、主要舞段、优秀舞段分析等事先分别布置到每一位同学，然后放录像观摩，引导同学逐个问题发言讨论，教师对必要的问题进行讲解；最后交剧目分析文字卷。

教学实践证明，只有详细分析了剧目才能学会如何结构及创作舞剧。

分析《驯悍记》、《茶花女》、《乡村一月》等经典舞剧。

（二）音乐式19世纪末20世纪初，西方现代艺术思潮兴起，在美术方面出现了“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“绘画不作自然的奴仆”的观念，在舞剧界也形成了舞剧摆脱叙事性、摆脱对戏剧依赖的思潮。

巴兰钦彻底抛弃了文字戏剧的拐杖，创出了音乐芭蕾，也就是所谓的“跳音乐”—将完整的交响乐、奏鸣曲、协奏曲等等在舞台上由芭蕾演员跳出来。

据说有许多著名的作品，可惜我们见到的不多。

比如：一组演员跳第一声部小提琴，另一组跳第二声部大提琴；如果音乐是“卡侬”，舞蹈也就按间隔依次模仿。

这被称为“看得见的音乐”，使观众得到视听统一谐和的审美满足。

因为是在跳交响乐也叫“交响芭蕾”，所以摆脱了戏剧，在结构上从属了音乐。

我们见到过大量既不摆脱具象也不摆脱戏剧成分的“交响芭蕾”，这是以格里戈洛维奇为代表的编导，他使舞蹈从总体上来说努力靠近音乐而减少（不是排斥）戏剧成分。

在结构上它虽然仍遵循着开端、发展、高潮的规律，但也可以说是按照音乐作品中善于表现富有戏剧性冲突的奏鸣曲式：呈示部、展开部、再现部的结构。

因为在有人物形象、有戏剧性冲突的结构中，这二者的结构是相通的。

这类舞剧以独舞、双人舞、三人舞、集体舞等舞蹈来表现，场面舞蹈化，同时，尽量减少哑剧，去掉生活细节，使之更为音乐化。

比如：《斯巴达克斯》、《爱情的传说》。

在编舞中广泛使用交响编舞法，大大丰富和扩展了我们的编舞思维和编舞手法。

“交响编舞法是在舞蹈创作中借鉴交响乐的思维逻辑，以舞蹈特有的规律为主，力求达到音乐与舞蹈高度统一的一种编舞方法”（肖苏华）。

在介绍“交响芭蕾”和系统传授“交响编舞法”方面，肖苏华老师在我国起了重要的作用。

剧目分析：《斯巴达克斯》、《爱情的传说》、《伊凡雷帝》、《童年》。